Antes de la cámara, los pintores decidían de dónde venía la luz. Una ventana a la izquierda, una vela sobre la mesa, un sol demasiado alto: cada elección contaba algo. En un plató, un director de fotografía hace exactamente lo mismo, con focos en lugar de pinceles. Estas son siete formas de iluminar, cada una heredada de una corriente pictórica, con el esquema para entenderla.
Cómo leer los esquemas Cada uno muestra, visto desde arriba, la cámara abajo, el sujeto en el centro y las luces alrededor. A la derecha, el resultado aproximado en imagen. Los esquemas están simplificados: en la práctica, la altura, la distancia y la intensidad se ajustan al centímetro.
1. El claroscuro: la herencia de Caravaggio
Hacia 1600, Caravaggio sumerge sus escenas en la oscuridad y solo deja entrar un haz nítido desde un lado. La pintura lo llama claroscuro, o tenebrismo cuando se lleva al extremo. En el cine se habla de iluminación low-key: el expresionismo alemán y después el cine negro convirtieron la sombra en un personaje más.
La receta: una sola fuente dura, alta y lateral, nada delante, un fondo sin iluminar. Ideal para: un retrato dramático, una película de marca de tono serio, un packshot de lujo. El contraste es alto: la exposición debe ser precisa.
2. El triángulo de Rembrandt
En el siglo XVII, Rembrandt afina el procedimiento: el rostro se modela con luz lateral y en la mejilla que queda en sombra aparece un pequeño triángulo iluminado. Es ya el nombre de una técnica presente en innumerables retratos, de la fotografía al cine.
La receta: una fuente a unos 45° del lado, algo por encima de la mirada, y si hace falta un reflector discreto para abrir la sombra. Ideal para: la entrevista a un directivo, un retrato corporativo con carácter.
3. La ventana de Vermeer
En Vermeer, la luz entra por una ventana a la izquierda y acaricia rostros y objetos. Las sombras son tiernas, las transiciones largas. Es la luz suave por excelencia: una gran fuente, cerca del sujeto.
La receta: una gran fuente difusa (una ventana real o un panel LED con difusión), cerca del sujeto, y un rebote blanco enfrente para conservar detalle en la sombra. Ideal para: testimonios de clientes, entrevistas, retratos naturales. Vea nuestro artículo sobre iluminar un retrato y una entrevista.
4. La vela de Georges de La Tour
Georges de La Tour pinta rostros iluminados por una llama: luz baja, cálida y débil que dibuja volúmenes sencillos. En el cine es la luz «motivada» por un objeto visible en el encuadre, lo que se llama practical. Stanley Kubrick llevó el principio muy lejos en Barry Lyndon: algunas escenas se iluminan casi solo con velas, gracias a objetivos excepcionalmente luminosos (abiertos a f/0,7). La película se inspira, además, abiertamente en la pintura inglesa del siglo XVIII.
La receta: una fuente cálida y débil, baja y cerca del rostro, a menudo visible en el encuadre, con una cámara sensible y un objetivo luminoso. Ideal para: un restaurante, un taller, un momento íntimo, un ambiente de velada.
5. El contraluz de los impresionistas
Monet, Renoir y sus compañeros salen del taller para pintar al aire libre. Les interesa una luz que cambia de hora en hora, los halos, los contornos que vibran. En el cine lo encontramos en el contraluz y en la «hora dorada», cuando el sol está bajo.
La receta: la fuente (el sol o un foco) queda detrás del sujeto, algo alta. Se abre el rostro con un rebote o un reflector delante y se vigila la exposición para no quemar el fondo. Ideal para: exteriores, películas de territorio, imágenes de dron al amanecer o al atardecer.
6. El sol duro de Edward Hopper
En el siglo XX, los pintores realistas estadounidenses, entre ellos Edward Hopper, iluminan sus escenas con un sol franco: sombras nítidas, formas geométricas, figuras algo aisladas. El cine tomó esta luz para el wéstern, la road movie y el policíaco bajo el sol.
La receta: un sol alto, o un foco duro, y formas para recortar la sombra (persianas, contraventanas, gobos). Ideal para: una imagen gráfica, un retrato en arquitectura, un universo industrial.
7. Los tres puntos: la luz de estudio
El cine clásico de estudio convirtió la luz en un sistema. El método de tres puntos sigue la lógica de los retratos pintados: una luz principal (key) para modelar el rostro, una luz de relleno (fill) más suave para abrir la sombra y un contraluz (back) para separar al sujeto del fondo.
La receta: la principal a unos 45°, suave; el relleno en el lado opuesto, por lo general entre dos y cuatro veces más débil; el contraluz detrás, más alto. Ideal para: la mayoría de los contenidos corporativos, porque es un punto de partida fiable.
De un vistazo
| Referencia | Iluminación | Ambiente | Para sus contenidos |
|---|---|---|---|
| Caravaggio | Una fuente dura, fondo negro | Dramático, solemne | Película de marca, packshot de lujo |
| Rembrandt | Fuente a 45°, triángulo en la mejilla | Retrato con carácter | Entrevista a un directivo |
| Vermeer | Gran fuente suave lateral | Calmado, natural | Testimonio de cliente, retrato |
| Georges de La Tour | Llama baja y cálida | Íntimo | Restaurante, taller, velada |
| Impresionistas | Contraluz, hora dorada | Luminoso, vivo | Exterior, territorio, dron |
| Hopper | Sol duro, sombras nítidas | Gráfico, solitario | Arquitectura, industria |
| Tres puntos | Principal, relleno, contra | Equilibrado, legible | Contenidos corporativos |
El vocabulario del plató
- Fresnel: foco con lente y haz regulable, la fuente «dura» clásica.
- Softbox, difusión: lo que agranda y suaviza una fuente.
- Bandera (flag): panel negro que corta la luz donde no se quiere.
- Gobo: plantilla recortada que proyecta una sombra dibujada.
- Rebote: superficie blanca o plateada que devuelve la luz al sujeto.
Por qué importa para su proyecto
La luz es el primer lenguaje de una película o una foto. Antes de hablar de equipo, conviene saber qué sentimiento se busca. Una referencia de pintura o de cine suele valer más que diez adjetivos: si tiene una en mente, envíenosla. Para el color y el ambiente en posproducción, vea también nuestro artículo sobre etalonaje y, para el equipo, nuestro equipamiento.
¿Un ambiente en mente?
Cuéntenos qué quiere hacer sentir: le proponemos la iluminación adecuada.
Para ir más lejos: «Barry Lyndon» y los objetivos f/0,7 (en inglés), las pinturas inglesas que inspiraron a Kubrick (Phaidon, en inglés). Los esquemas de este artículo son ilustraciones originales y simplificadas.